dimanche 25 octobre 2015

¿ Warhol místico ?

21 de octubre de 2015, por Lunettes Rouges 


(original en francés, aquí) 





Andy Warhol, Mao, 1973, pintura acrílica  y tinta serigráfica sobre lienzo




Solamente por una excepción (pero ¡qué excepción!), en la exposición Warhol Unlimited en el MAMVP (Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, hasta el 7 de febrero) no descubrirá nuevas obras si usted ya conoce por lo menos un poco la obra de Andy Warhol, verá flores y vacas, Jackie y las sillas eléctricas, Marilyn y Mao, Campbell y Brillo. Su interés principal, hasta la penúltima sala, reside en las excelentes escenografía y organización en el espacio, lo que en la obra de Warhol es fundamental, pues su arte es ante todo un arte de la exposición, un juego de repetición que viene a debilitar el papel mismo del museo. También exponen muy bien el contexto del arte de Warhol, tanto con las leyendas en las paredes como con el catálogo (que insiste sobre su "fortuna critica").






Andy Warhol, Screen Test: Marcel Duchamp, 1966, captura de pantalla: Col: Andy Warhol Museum Pittsburgh 





Dos experiencias impresionantes a lo largo de la exposición, primero, deambular por la sala de las Screen Test (en la que Duchamp está lejos de ser el más "cool"); también vemos el Empire y Blow Job, pero no vemos Couch que muestran muy rara vez. Luego, saturarse de imágenes y sonidos en la reconstitución alucinógena de la Exploding Plastic Inevitable por Ronald Nameth. Pero todo ello se reduciría a una revisita instructiva de Warhol por terrenos ya bien circundados en los cuales se ha puesto una atención particular a los espacios, en todo caso para mi, si no existiera la ultima sala, la sala grande curva. 





Andy Warhol, Shadows, 1978-79, pintura acrílica y tinta serigrafiada sobre lienzo. f. Bill Jacobson, cortesía Dia Foundation & MAMVP. 





Allí se extienden los 102 lienzos serigrafíados de la serie Shadows, con 17 colores sobre 130 metros. ¿ Ante quién estamos ? Primero una experiencia de inmersión, un universo que nos rodea totalmente y nos hace vibrar (Mark Loiacono, en un excelente ensayo del catálogo, titulado Disco Mystic según Lou Reed, y a quien le debo mucho, evoca la capilla de los Scrovegni). Luego, un motivo enigmático, un detalle ilegible de una foto sobre-agrandada, como un juego positivo negativo : el maestro de la sombra Victor Stoichita evoca una transmisión de las historias de sombras de Chirico (que fallece un mes antes de que Warhol empiece esta serie) a las sombras sin historia de Warhol. Y de alguna manera, hay una sensación mística, casi religiosa (Dagen ve algo fúnebre, yo siento al contrario éxtasis y júbilo) : este conjunto es un encargo de los Heiner Friedrich (a quien los Giotto de Padua conmocionaron hasta el punto de pedir pasar una noche entera, solo, en la capilla Rothko) y Philippa de Ménil, hija de la famosa pareja y que lo conoció entonces, se casó con él siete años más tarde. Los dos se convirtieron al Islam, practicaron el sufismo, se atrevieron a transformar en mezquita un antiguo parque de bomberos de Nueva York y fundaron lo que se convertiría en la DIA Fondation. Y es quizás esa relación mística con Dios, sin intermediarios, que Warhol (que también estaba muy marcado por la religión) tradujo aquí : o en todo caso es lo que se siente, si al seguir las huellas de Warhol, nuestro espíritu se abre y sale del museo y del mundo del arte. 


(c) The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / ADAGP. Las imágenes saldrán del blog al final de la exposición.  



Share and Enjoy

samedi 24 octobre 2015

¡Qué vivan las putas! (en Orsay)

20 de octubre de 2015, por Lunettes Rouges

(original en francés, aquí)




Inscripción en el libro de oro de la exposición 




Antes de ir a ver Esplendores y miserias. Imágenes de la prostitución 1850-1910 en el Museo de Orsay, uno se pregunta con algo de aprensión si esta exposición será tan vacía como Masculin Masculin, tan superficial como El Ángel de lo Extraño, o al contrario tan estimulante como la de Sade. Al contrario de mi experiencia con esta ultima, no salí conmocionado sino mucho más erudito : es una exposición muy interesante pedagógicamente, describe muy bien el contexto político, social, moral, económico, en el cual se desarrolla la prostitución del siglo XIX, desmontando los mecanismos, descubriendo a los actores y los lugares. Presenta la prostitución como un universo codificado, regulado, con sus leyes, sus guías para el consumidor, sus formas de ser, como por ejemplo los gestos ambiguos que permitían hacerse entender y atraer al cliente : En 1880, Manet nos muestra con tres indicios, al dibujar esos botines, ese trocito de pierna descubierta y esa falda roja, lo que en ese entonces cada cual entiende enseguida sobre la condición de la dama. 




Édouard Manet, Deux jambes avec bottines sous une jupe rouge devant un guéridon, 1880, lavis negro, mina de plomo, acuarela sobre papel milimetrado, 18,6x12cm, Muséed'Orsay




Es naturalmente, una mirada exclusivamente masculina, hay que buscar un buen rato para descubrir al fin a la única mujer del conjunto, la Castiglione mencionada como coautora con Pierre-Louis Pierson de una de las fotografías presentadas; pero era previsible. En la exposición presentan muy bien la dimensión socio-histórica (y la analizan en el catálogo a pesar de las repeticiones de un ensayo al otro), la dimensión fantasmagórica que cada cual, desde el Courbet de la Mère Grégoire al Picasso de la Melancolía, (ya que las Señoritas de Avignon, cuyos dibujos cierran las exposición, pertenecen a otro mundo) intenta expresar, incluso es visible y evidente pero ya hoy no nos conmueve y ese mundo de prohibiciones hipócritas nos parece demasiado lejano. Liberado de la libido, uno siente emoción ante la injusticia, ante la dominación masculina económica y sexual : es quizás el diablo de Munch (uno de los pocos extranjeros aquí, pero París era la capital de las artes y de los burdeles...) el que mejor lo representa con esta terrible litografía. 




Edvard Munch, L'Allée, 1895, litografía, 43,5x32.3cm, Munch Museum Oslo



El único momento de humanidad es con Toulouse-Lautrec, tan cercano a las chicas que las captura en dos o tres óleos sobre carton y allí aparece al fin un sentimiento, la mirada de esas dos chicas traduce, al fin, una emoción en el momento en que sus amores homosexuales les permiten volver a apropiarse de sus cuerpos y sexualidades ya no siendo objetos. Es verdad que otros denuncian la prostitución, Octave Mirbeau o Josephine Butler, pero lo hacen a través de lo escrito o del discurso, no a través del arte.



Henri de Toulouse-Lautrec, En la cama, 1892, óleo sobre lienzo sobre tabla, 53,5x70cm, Museo de Orsay




Cabe resaltar la importancia de la fotografía en la exposición (y el ensayo de Marie Robert en el catálogo) : presentan la mayoría de las fotografías en dos salas cerradas prohibidas a los menores. En efecto, la fotografía libera la mirada, glorifica el ojo erógeno, tiene valor de reproducción, de índice de veracidad, y es por ello que es tan escandalosa. En lugar de las bonitas picardías de Pierre Louÿs (foto púdicamente recortada por Le Point) o los misterios de Jeandel, preferí regalarles esta bella composición de Disdéri, las piernas de 61 bailarinas de la Ópera, identificadas únicamente con sus iniciales, retoños expuestos ante la codicia de señores viejos y barrigones asiduos del Foyer, uno de los lugares más reputados para acceder al demi monde.




Eugène Disdéri, Las Piernas de la Ópera, fotomontaje, hacia 1863, prueba en papel albumina, 11x6,5cm, col. Laure Deratte



.

Share and Enjoy

vendredi 23 octobre 2015

Henry Darger, orden y caos

19 de octubre de 2015, par Lunettes Rouges





Henry Darger, The Battle of Calverhine, 1920-1930, 93.5x297cm, papeles impresos pegados, lápiz, acuarela, barniz




Es una lastima que la exposición de la donación de los dibujos de Henry Darger del Museo de Arte Moderno de la Ciudad deParís, ya se haya acabado. Había visto la obra de Darger en la Maison Rouge en 2006, y también en Lausana, Villenueve d'Ascq y otros lugares, me había maravillado, seducido y perturbado. Hoy aprecio el enfoque (aún más evidente en el catálogo MAMVP, cuya única critica que podemos hacer es el formato poco apropiado para la reproducción de sus grandes panoramas, salvo este arriba) más científico, más analítico, menos sentimental de su obra, en particular en los textos de la comisaria Choghakate Kazarian.




Henry Darger, diferentes banderas


  

Una de las líneas de fuerza (entre otras, más religiosas o psicoanalíticas) de la obra de Darger me parece que es la oposición entre orden y caos. Del lado del orden su manía coleccionista y organizadora, sus retratos de generales, la cantidad de banderas, la cantidad de mapas que colman su obra, su tipología minuciosa de los Blengins y, en general, todos los códigos que intercala en su descripción del mundo, así como la composición rigurosa de sus grandes escenas guerreras. Añadiría su catolicismo riguroso y su pasión obsesiva por la meteorología, un campo en el que el orden clasificador intenta describir la naturaleza.



Henry Darger, At Jennie Richee again escape (détail), 1930-1940


  
Y naturalmente el caos predomina la mayoría de las veces, ruinas, catástrofes, escenas de violencia monstruosa "estrangulación", "destripamiento", "extracción de vísceras", "desmembramiento", "crucifixión" (pero nunca una violación, la sexualidad está claramente off-limits); fascinación (muy católica también) por el martirio, seducción del traumatismo (incluso si vemos aquí también cuadros de los años 60, más apaciguados),y, desde la infancia, fascinación por los incendios.


Henry Darger, at battle of Mc Hollester Run.
they make a daring escape down a long 250
foot rofe though fired on from far below by
merciless Glandelinian soldiery. Though the
small windows have bars this was no prison,
1930-1940, 122.3x48.7cm, traslado con papel
carbón, lápiz, acuarela y
guache sobre dos hojas de papel vitela

Otro elemento que resalta no tanto en la exposición sino en el catálogo es la dualidad privado/público : esta obra hecha en secreto y nunca revelada, fue descubierta por los Lerner (quienes por otro lado, "hacen más aceptable" su habitación), la divulgaron (parece que muy a pesar suyo, ver pag. 9), luego la desmembraron parcialmente y la pusieron en venta por pedazos, hoja por hoja, sometiéndose a las leyes del mercado. Es verdad, es lo propio del arte marginal, pero aquí se nota muchísimo esa dicotomía. Veamos el texto de Michael Bonesteel que insiste sobre el Darger escritor, casi siempre puesto en segundo plano a causa de la potencia de sus imágenes : Darger escribió la novela mas larga en lengua inglesa (1500 + 8000 páginas). Una sorpresa se escondía detrás una pequeña anotación, p. 234 : Parece que Darger veía y era venerado por una banda revolucionaria puertorriqueña de Chicago, los Young Lords, equivalente hispano de los Black Panthers. Extraño...






Foto  3 del autor. Fotos 1 & 4 (c) Eric Emo / MAMVP / Roger-Viollet
Todas las obras (c) Kiyoko Lerner / ADAGP





Share and Enjoy



jeudi 22 octobre 2015

Fotografiar el futuro y otras ilusiones en los Encuentros de Braga

18 octobre 2015, pour Lunettes Rouges




Roger Ballen, Asylum of the Birds



Son los 25 años de los dinámicos Encuentros de la imagen en Braga (hasta el 1 de noviembre), en el norte de Portugal; las exposiciones son en su mayoría en lugares históricos, museos, teatros, monasterios, e incluso en una sorprendente casa con celosías. Es un festival pequeño, mucho más modesto que la inmensa maquinaria de Arles y a veces hay algo de confusión, poco público, pero es sobretodo, un festival en el cual, en todo caso mientras yo estuve, se siente fuertemente el espíritu comunitario entre fotógrafos, comisarios y críticos venidos de toda Europa. Se critican portafolios, se dan premios (el principal se lo dieron a una obra Photoshop-anecdótica que me decepcionó bastante), y me encanta pues en los encuentros se puede conversar de todo. Había pocos nombres famosos, salvo Roger Ballen cuya obra Asylum of The Birds (que vimos el año pasado en el Museo Niepce de Chalon) está expuesta en un bello museo laberíntico; y también el divertido Ren Hang y la trágica Cristina de Middel.




Phil Toledano, Maybe




El tema del año es el poder y la ilusión. La exposición mas ilusionista es la de PhilToledano quien no solamente posee un talento particular en la materia (joven, fue publicista y sus mensajes complejos se transmiten de manera sencilla, fuerte e impactante), sino que además aquí ha inventado su futuro : cuando falleció su madre, se deprimió muchísimo pero afrontó su miedo de envejecer y de morir, y se preguntó como evolucionaría, así que consultó geriatras, videntes y expertos en prótesis para tratar de inventar su futuro y fotografiarlo. Digo poco al decir que es un tema que también me preocupa y esta exposición rodeada por los oros del Gran Teatro barroco de la ciudad me cautivó.




Eduardo Brito et Rui Hermenegildo, 5 p.m., Hotel de La Gloria




Numerosas obras de jóvenes fotógrafos tratan la ilusión, ilusión de la visión y construcciones quiméricas; de paso citemos a Catherine Balet, Birgit Krause, Claire Cocano, los paisajes artificiales de Michel Le Belhomme y de YurianQuintanas, las escenas de guerra falsas de Wawrzyniec Kolbusz. Aprecié mucho la obra desfasada de Eduardo Brito y Rui Hermenegildo que llevaron a Osuna la escena del Hotel de la Gloria de la película El Reportero, que Antonioni había rodado en Vera, una ciudad española : cabe resaltar la re apropiación fotográfica del paso al otro lado del espejo.



Carlos Spottorno, The PIGS




En cuanto al poder, Carlos Spottorno lo trata de manera periodística, con grandes carteles pixelados en las paredes y la edición de una revista sobre los PIGS (Portugal, Italia, Grecia, España) y la crisis que los afecta. No es demasiado simplista y esta foto de una pared de Lisboa es una ilustración trágica de las esperanzas que pusieron en Europa y la decepción de hoy.


David Fathi, Anecdotal



Más irónica y sutil es la obra de David Fathi sobre los diferentes accidentes atómicos de los últimos 70 años, bombas perdidas o lanzadas por error sobre una granja (¿cuántos pollos vaporizados debe indemnizar el seguro?), una serie de anécdotas del Bikini ("the first anatomic bomb"), los ministros franceses irradiados en Reggane.



Bénédicte Vanderreydt, I am 14 (Ru'a)




Al margen de esas lógicas de poder y de ilusión otros artistas presentan obras más íntimas, como habitaciones vacías o las imágenes ocultas de Christiane Peschek, y sobretodo un vídeo de Benedicte Vanderrydt sobre la adolescencia de tres jovencitas de 14 años, un belga consentida, una congoleña que intenta escapar de la pobreza, una palestina indignada por la ocupación, que hablan de sus sueños y de su futuro.



Festival que sin duda alguna habrá que visitar de nuevo el año que viene.

Share and Enjoy



dimanche 18 octobre 2015

Alejandro Jodorowsky, totalmente

17 de octubre de 2015, por Lunettes Rouges

(original en francés, aquí)




Alejandro Jodorowski, cartel de El Topo, 1970



El artista franco chileno Alejandro Jodorowsky tiene tantas facetas, tantos talentos diferentes, que de costumbre cada uno de nosotros percibe solo un fragmento o dos. Para los unos es autor de historietas, en particular, El Incal con su gran cómplice Moebius. Para otros es escritor y poeta. Para muchos es un hombre de teatro y mimo junto a Marceau. Para la mayoría es cineasta, autor de películas revolucionarias, mágicas y perturbadoras (y, en primer lugar El Topo). Para algunos estetas amantes de esoterismo, es un maestro del Tarot. Y actualmente, es uno de los raros artistas que saben transformar Twitter en un medio poético. Y muchas otras cosas más, como sus performances-happenings (todavía en la actualidad) o sus Fábulas Pánicas




Alejandro Jodorowski, cartel de Dune, hacia 1975




Y, a pesar de tan destacadas creaciones, para mi, es ante todo el hombre de un destacado fracaso, el hombre que sin ni siquiera haberlo leído antes, quiso confrontarse con ese libro-universo que es Dune para hacer la película más extraordinaria de todos los tiempos, el hombre que durante cuatro años trabajó con obstinación y devoró en sus investigaciones los dos millones de dólares que le había dado su productor Michel Seydoux, el hombre que quería hacer rodar a Orson Welles, Mick Jagger, Amanda Lear y Salvador Dalí (cuya remuneración hubiera sido 100.000 dólares el minuto), con músicas de Magma y Pink Floyd. Un día, lamentablemente, la realidad económica se interpuso ante la desmesura del proyecto que nunca fue realizado ya que los grandes estudios lo rechazaron, pero que "inspiró" Alíen, Stars Wars, Terminator, El Arca perdida y a algunos otros plagiarios descarados. Y el cine espectacular de ciencia ficción nació de este fracaso, gracias a Dune. Lo peor es tal vez que después hubo financiación para que David Lynch cometiera la peor traición de la historia del cine, la transformación en la pantalla de un libro tan poderoso como la Biblia, en hueso de cuarta categoría (y, por caridad, no digamos nada de Sting...). Como dice Jodorowsky, "aprendimos a caer mil veces con obstinación salvaje hasta aprender a mantenernos de pie". Recuerdo a mi viejo que al morir feliz me dijo : "Hijo mío, triunfé en la vida porque aprendí a fallar."




Alejandro Jodorowski, captura de pantalla, con María Inés Rodríguez, 2015




Es entonces en la gran nave del CAPC de Burdeos que todavía se puede (hasta el 31 de octubre) descubrir la obra de Jodorowsky, deambulando a través de un dispositivo laberíntico creado por el arquitecto griego-noruego Andreas Angelidakis a partir del Tarot, desde la Torre del Mundo y del Loco hasta el Enamorado, cada elemento del espacio sirve la reflexión sobre la obra,  y de descubrimiento en sorpresa, la emoción del espectador se modula y se vuelve compleja. Obra de arte total y, por primera vez en el mundo, una exposición también total (no se pierdan las cuatro pequeñas películas - en el espacio llamado L'Ermite - allí la comisaria de la exposición y directora del CAPC Maria Inés Rodriguez entrevista al artista). 


Share and Enjoy

jeudi 15 octobre 2015

Algo de Portugal en París (2) : del concepto, del humor, de la historia, pero no del cuerpo, del cuerpo jamás


14 de octubre de 2015, por Lunettes Rouges

(Original en francés, aquí)




Von Calhau !, Fincipio et Mesmo Meme, 2015, 2 fois 60x60cm




La Fundación Gulbekian en París presenta a diez jóvenes artistas portugueses, otra oportunidad después de la exposición en el Espacio Ricard, para descubrir esta escena. Si prescindimos del argumento propio de la curaduría, demasiado jergal para mi gusto, es posible interesarse por dos o tres presencias y una ausencia. Primero la presencia de un aspecto abstracto, conceptual, sobrio : minimalismo extremo de las esculturas de Ana Santos o la estructuración rigurosa de las instalaciones de Carlos Bunga me dejaron algo indiferente, mientras que disfruté más los cuadros abstractos de Sónia Almeida en los que algunas veces interfieren pedacitos de realidad fotográfica. 





João Maria Gusmão et Pedro Paiva, O terceiro burro, 2015, 105x140m




Otro aspecto es el del humor, del desfase, de la transformación de la realidad. El duo Von Calhau ! presenta grafismos poéticos y codificados, derivas con el lenguaje, juegos visuales con las palabras, como por ejemplo, pequeñas maravillas con letras arregladas en todo sentido. João Maria Gusmão y Pedro Palva, indudablemente los más conocidos del grupo, muestran esta sorprendente imagen de tres asnos imbricados, tan mágico y compuesto como los grafismos vecinos. 





André Cepeda, Anti-Monumemto, Porto, 2015, 44x56cm




Pero a mí me parece que los más interesantes son los artistas que hacen una obra política, anclada en el mundo, testigos de la realidad. André Cepeda muestra imágenes oníricas, fotografías de detalles de un inimaginable Momumento al Emprendedor,  destrozado por vandalismo, fragmentado, descompuesto, que pierde todo sentido para no ser sino un testimonio irrisorio de la decadencia. Las suspensiones de Carla Filipe cuentan sus vagabundeos por Amberes, un anti Lisboa. Mauro Cerqueira deja ver vestigios de un espacio asociativo en Oporto, como "escultura social" testimonio de pervivencia frente a la gentrificación.  





Carla Filipe, Quatre mois dagelijks sur Antuérpia Bélgica, installation, 2014, détail




La obra más histórica y más política es definitivamente la de Daniel Barroca (que ya vimos en Carpe Diem) quien toma fotografías de las guerras coloniales (que pertenecían a su padre) e introduce ambigüedad y silencio. Al lado, presenta una fotografía doble, pequeñísima, que un motor hace revoletear ante nosotros : por un lado un niño encantador blanco y rubio y por el otro una víctima negra herida o muerta, acostada en el suelo y la rotación es demasiado rápida para que la mirada pueda verlas realmente e individualmente. 






Daniel Barroca, Map de cumplicdades,2011, 120x140cm




La ausencia es la que sentimos, me parece, prácticamente en todo el arte contemporáneo portugués : gran reticencia para abordar las problemáticas del cuerpo, del genero, de la sexualidad. Me falta mucho para conocerlos a todos, pero son pocos los nombres de jóvenes artistas portugueses que se me ocurren cuando deseo explorar esas problemáticas (Lizi Menezes, quizás, pero es una brasileña que vive en Portugal). Aquí, el único que se acerca al tema es Arlindo Silva y sus pinturas realistas de sus amigos o de su madre. Queda el interrogante, creo, sobre esta carencia estética en la psique portuguesa. 


Todas las fotos, del autor. 


Share and Enjoy